Когда речь заходит о современном дизайне, нередко обходят вниманием такие привычные и, казалось бы, понятные вещи, как живопись или книжная иллюстрация. Что происходит с этими направлениями сейчас? Заказывают ли сейчас портреты, чтобы повесить на стену? Осталось ли место традиционным техникам в цифровом мире?
Мы поговорили с Анной Хопта, чтобы получить ответы на эти вопросы, – и получили гораздо больше пищи для ума, чем предполагали.
АННА ХОПТА
Художник (выпускник художественного факультета ВГИК, член Союза художников России), иллюстратор, преподаватель живописи с 2017 г.
Лауреат многочисленных конкурсов; живописные и графические работы находятся в России и за рубежом.
«…и документы есть!»
Я очень поздно поняла, что ничем другим всерьез заниматься не смогу: до 17 лет я собиралась быть кем угодно, только не художником. Хотя занималась рисованием в очень хорошей художественной школе упорно и серьёзно, и рисовала сколько себя помню.
Когда я поступила во ВГИК, я вряд ли представляла себе ширину спектра этого образования. Художественный факультет включал в себя и живописные, и киношные дисциплины. Мы и писали с натуры, и работали с текстами, делали макеты и бутафорку. Мне и сейчас нравятся необычные задачи, которые требуют поиска новых решений. Может быть, это особенности моего сознания, может, профдеформация после киноинститута. Кино – это каждый раз уникальные новые задачи, которые к тому же надо было решить ещё вчера, освоив попутно какое-нибудь ремесло.
В связи с широким спектром интересов, я в каком-то смысле сижу на двух стульях: знаю и индустрию книги, и живописи. Но ни в одну не ныряю с головой как в единственную реку.
Иллюстрация к книге «Нарисованный оркестр» (издательство Абраказябра, 2021)
В Союзе художников я состою чуть больше года. Вступала потому, что предложили, и прием в СХР затянулся на долгих два года в связи с пандемией и последующими событиями. Пока что материально ощутимого бонуса в этом нет; однако не могу сказать, что это совсем бессмысленно. Даже осознание наличия такой «художественной корочки» не может не радовать. Теперь я не только на словах художник, у меня еще и документы есть!
Об экспериментах
На мой взгляд, всё искусство – эксперимент. Каждый иллюстраторский проект и даже каждая живописная работа – это поиск языка, которым ярче всего можно выразить то, что я собираюсь сказать. В иллюстраторских проектах, как правило, первая, вторая, а иногда и третья проба картинки в материале идут «в стол» (если не «на костёр»). В живописи тоже такое бывает. Очень часто, начиная работу, я не могу предположить, как она пойдёт. Например, в недавно написанном портрете я беспокоилась насчет рук, потому что ни разу не писала такую сложную позу, а они вышли быстро и легко. А голову я писала очень долго, хотя предполагала, что быстро с ней справлюсь.
Экспериментов, – с материалом, с сюжетом, с изобразительным языком, – не надо бояться. На мой взгляд, стабильный подход и привычные ремесленные «ходули» нужны нам как раз для того, чтобы в случае чего спасти результаты эксперимента. Но без доли риска, без азарта и порой почти страха никогда не случится ничего по-настоящему большого и красивого.
Ярослав Тимофеев (холст, масло, 2023)
О живописи и искренности
Несомненно, сейчас в нашей стране очень много плодотворно работающих художников, рынок может предложить любые жанры, любое качество, любую ценовую категорию. Так как в живописи я тоже люблю разное, и даже работаю разными материалами, мне трудно определить свои работы в какую-то конкретную нишу.
Я не работаю с галереями, только напрямую с покупателем. Редко делаю живописные работы на заказ, потому что для меня живопись – «чистое» дело: это та сфера, в которой я говорю о том, что волнует именно меня. Показываю то, что считаю красивым. Экспериментирую, пробую, постоянно развиваюсь: мне важно не зависеть от мнения и вкусов заказчика, не иметь четких структурированных обязательств, которые есть для меня в книге и других иллюстративных проектах. Только честность и полнейшая искренность перед собой и зрителем. Та несравненная, потрясающая энергия, которая есть в живописи с натуры, для меня уникальна и очень ценна.
Чаще всего если заказывают, то портрет. И вот это довольно интересно – если заказчик хочет именно увидеть себя моими глазами, а не получить льстивый парадный образ, конечно. Смотреть в человека, любоваться им, наслаждаться совершенными (даже если они несовершенны) чертами – большое счастье. Хотя портрет – довольно сложный жанр, и требует очень большого сосредоточения и труда.
Иллюстрация к книге Николая Куна «Что рассказывали греки и римляне о своих богах и героях» (издательство НИГМА, 2023).
Об иллюстрации и историях
В иллюстрации дело обстоит иначе. Иллюстрация – очень прикладное искусство, причём не важно, что мы делаем: постер на стену, обложку или иллюстрации к книге, дизайн конфеты или афишу к концерту инструментальной музыки. В этой сфере моя картинка – всегда более или менее самостоятельное приложение к чему-то, что она «расцвечивает», «иллюстрирует». И это совсем меняет мой подход. Здесь моя первостепенная задача – почувствовать, как именно должна выглядеть картинка, чтобы лучше всего выполнять свою функцию. Я как бы аккомпанирую – тексту, информации, форме.
И здесь как раз работа с заказчиками очень плотная. В последние годы появилось очень много детских и подростковых издательств, которым постоянно требуются художники. Поэтому спрос тут довольно высок. Другое дело, что на отечественном рынке оплата за иллюстрации оставляет желать лучшего, и поэтому художник или берется сразу за большое количество проектов (как делала я в первые годы работы в иллюстрации, когда за год иллюстрировала 6-7 книг), или вынужден работать параллельно над проектами в других отраслях дизайна и иллюстрации (собственно, сейчас это именно мой случай).
Иллюстрация к книге «Нарисованный оркестр» (издательство Абраказябра, 2021).
О книгах и людях
В плане стилистики в книжной иллюстрации есть особенность: с одной стороны, зритель (который читатель) любит узнавать руку уже знакомого ему художника в новых книгах. За понравившимся по стилю художником наблюдают, собирают его книги. С другой стороны, одинаковая стилистика быстро надоедает, и в книге очень ценится способность художника быть гибким, меняться в зависимости от того, с каким текстом он работает. На мой взгляд, это прекрасно, так как даёт возможность продуктивно работать и тем, кому нравится идея «своего стиля», и таким, как я, кто любит пробовать и устает от работы в одном материале и одном стиле.
Книжная индустрия сейчас активно развивается, в книгу приходит огромное количество новых людей со своими идеями и свежим видением. Появляется много людей, которые готовы «ввести за ручку» в книжное сообщество людей самых разных профессий, которые хотели бы начать работать в детской книге. Например, Школа детской книги. Именно там я сделала свой первый авторский проект – книгу «Нарисованный оркестр». Сейчас ШДК продолжает свое существование, и принять участие может каждый желающий.
Надо отметить, что после ШДК количество заказов у меня сильно выросло. Не за счёт наличия «корочек», а за счет личных знакомств с издателями. Именно это имеет значение. Книжный мир очень небольшой, и всем всё равно, где вы учились и состоите ли в союзах. Важно, что вы можете делать, насколько вы коммуникабельны и организованы.
Иллюстрация к книге «Сказки и повести Древнего Египта» (издательство НИГМА, 2021).
О компьютерном и традиционном
Изначально я рисовала все иллюстраторские проекты для издательств только ручными техниками. Когда я пришла учиться в ШДК, на меня с моими акварельными картинками смотрели, как на динозавра. Сейчас очень немногие художники остаются верными традиционной технике.
Но потом я столкнулась с проектами, которые очевидно проще было сделать в диджитал (цифровом формате – прим. ред.). Нон-фикшн часто имеет такой сложный макет, что требует небольших перемещений в рисовке до самого последнего этапа. Поэтому диджитал для них – отличное решение.
Один из таких проектов – «Сказки и повести Древнего Египта» для издательства НИГМА. Сначала я собиралась делать их акрилом, но для достижения задуманной детализации размер акриловых иллюстраций должен был колебаться от 50х70 см до 100х70 см. Такие размеры очень неудобно оцифровывать и они очень дорого (и по материалам, и по затраченному времени) обходятся художнику. Поэтому я придумала имитировать нужную мне стилистику в цифровом варианте – и эта шалость удалась.
В последнее время я часто стала использовать смешанную технику, то есть доделывать ручные иллюстрации в диджитал. Так, работая над мифами древней Греции, я столкнулась с тем, что технику сграффито (техника с нанесением нескольких слоёв краски и последующим процарапыванием – прим. ред.) легче имитировать ручными материалами, а вот трещинки и сколы убедительнее смотрятся, когда их наносишь в цифре. Поэтому после основной рисовки каждая иллюстрация обрабатывалась в цифровом редакторе. Это позволило добиться очень интересного эффекта: видна «рукодельность», но чистота цвета и детальность трещинок – нерукотворная.
Иллюстрация к книге «Что рассказывали греки и римляне о своих богах и героях» (издательство НИГМА, 2023).
О тиражах, знаниях и роскоши
Сложно сказать, что людям «заходит» больше, потому что им заходит разное. Кто-то интересуется моими книгами из-за того, что учится у меня, а кто-то вообще не интересуется иллюстрированными книгами.
Можно точно сказать, что книги – это такой… более общественный сегмент. Цена на книгу меньше, чем на живописное полотно, и тиражность позволяет их приобретать гораздо большему количеству человек. Суммарное количество тиражей книг с моими иллюстрациями давно перевалило за 100 000 экземпляров. Конечно, не все тиражи распроданы, и всё же у огромного количества людей стоят на полках книги с моими иллюстрациями, даже если они обо мне знать не знают.
Люди сейчас более охотно вкладываются в свое образование. У меня самой есть разные форматы – от очных интенсивов в несколько дней (в арт-студии в Москве, в мастерской в Подмосковье) до записанных онлайн-уроков, доступных по всему миру. В ближайшее время я планирую провести несколько онлайн-лекций; очень надеюсь, что они будут полезны и востребованы.
Живопись у нас, к сожалению, предмет роскоши. Всем нравится смотреть, наблюдать за созданием, но мало кто имеет желание и возможность собирать у себя живопись и графику. Хотя, не могу сказать, что живопись «не заходит». Может быть, даже наоборот: она вызывает у зрителей больший отклик. Она менее утилитарна, несёт в себе более глубокие смыслы, более сосредоточенную работу. И это очень ценно для меня. Когда люди приобретают живопись, находят ей место на стене, – это очень непростое решение для любого человека. Ведь книжка рано или поздно будет убрана на полку, а картина будет висеть годами.
Иллюстрация к сказке Г.Х. Андерсена «Бузинная матушка» (издательство НИГМА, 2021).
