Пока в начале двадцатого века в мире гремели социальные и технические перевороты, сфера искусства переживала иные перемены: в живописи начался бунт против отживших себя реалистических традиций. Художники ломали каноны академического искусства и экспериментировали, что приводило к появлению множества новых направлений и течений. Одно из них зародилось в мастерской Бато-Лавуар на Монмартре под кистью Пабло Пикассо и вошло в историю искусства как кубизм.
Теорема кисти
Новое направление в живописи началось с «Авиньонских девиц» – полотна, созданного Пабло Пикассо в 1907 году. Однако термин появился позже благодаря критику Луи Вокселю, который при описании одной из картин Жоржа Брака создал имя для целого художественного течения.
Работы кубистов отличаются геометризмом: художники воспринимали мир через простые фигуры и на холсте преображали его в острые, угловатые контуры. Живописцы сознательно отказались от детализации, чтобы сконцентрироваться на неизменных чертах объектов, а выразительность цвета они заменили выразительностью формы. Полотна кубистов напоминают разбитое зеркало и обладают несколькими измерениями: изображения одновременно могут быть плоскими и трёхмерными или совмещать в себе сразу несколько точек зрения на предмет. Например, портрет может показать и лицо, и затылок человека.
На открытие нового художественного измерения кубистов вдохновило африканское искусство. Оно лежало за пределами классической живописи, поэтому обращение к нему в очередной раз подчёркивало отклонение художников от академических канонов. Характерные для африканских масок и статуэток черты узнаются в работах кубистов: лаконичность, отсутствие детализации, внимание к формам.
Творчество Поля Сезанна стало ещё одним источником вдохновения для кубистов, так как французский художник в своих работах концентрировался на устойчивых качествах явлений. Его взгляд на мир даже назвали «натюрмортным»: объекты природы и люди расставлялись живописцем по холсту как фигуры. Такой подход кубисты стали использовать в своих работах, а слова Поля Сезанна о восприятии мира через простые геометрические фигуры нашли буквальное воплощение в этом течении.
Кубизм: Сделано в России
Публика Москвы и Петербурга активно следила за жизнью европейского искусства, поэтому знакомство с новым направлением не заставило себя ждать: первые кубистические работы Жоржа Брака и Анри Ле Фоконье появлялись на выставках «Золотого руна» и «Бубнового валета» уже в начале 1910-х годов, несколько полотен хранилось в коллекциях Сергея Щукина и Ивана Морозова. Молодое поколение художников, чтобы лучше понять кубизм, отправлялось в Париж: там они посещали экспозиции и мастерские зарубежных живописцев.
В новаторских руках художников кубизм нередко объединялся с другими направлениями, поэтому «чистых» представителей в раннем русском авангарде относительно немного. При этом каждый живописец переосмысливал принципы течения в собственной уникальной манере. Например, полотна Аристарха Лентулова и Александры Экстер отличались обилием света и динамикой цветов, а Роберт Фальк острому геометризму предпочитал плавные переходы форм и оттенков. В разные годы к кубизму также обращались Надежда Удальцова, Юрий Анненков и другие живописцы.
Фальк Р.Р. Дама в красном. 1918
Подобно французским кубистам, русские художники искали вдохновение в древнем искусстве, но они обращались к национально близкому для себя творчеству: древним иконам, фольклору и архитектуре. Так на картине Казимира Малевича «Косарь» геометричность и обобщённость кубизма совмещается с некоторыми иконными мотивами: красный фон и прямой ракурс на фигуру.
При этом русская живопись смогла создать абсолютно уникальное явление – кубофутуризм. На своих полотнах художники объединили достижения французского кубизма и итальянского футуризма: геометрическим путём начала реализовываться новая цель – передача эффекта движения. Для этого живописцы использовали разнообразные приёмы: соотношение цветов и размеров фигур работало на создание динамики, а эффект подвижности создавался через повторное изображение различных элементов. Так у кубофутуристов ожило всё: крутились колёса «Велосипедиста» Наталии Гончаровой и мелькали руки «Точильщика» Казимира Малевича.
Казимир Малевич “Точильщик” (1912)
Художники работали с разными форматами: они обращались к технике аппликации и коллажа, иллюстрировали книги и даже использовали на своих полотнах слова, чтобы подчеркнуть связь литературы и живописи.
Концом недолгой, но значимой эпохи кубизма стала Первая мировая война, однако даже в более позднем искусстве продолжают звучать отголоски этого течения, ведь оно добилось главного: открыло путь новым художественным направлениям.
Три степени кубизма
Под экспериментаторской кистью кубистов видоизменялись даже такие классические константы как живописные жанры: натюрморт, портрет и пейзаж. Художники изображали не то, что видели, а то, что знали, поэтому нередко между восприятием работ этого течения и реалистических произведений лежит пропасть. Однако, чтобы понять многомерный мир кубистических полотен, достаточно говорить на его собственном языке.
Портрет в кубе
Надежда Удальцова. «Автопортрет с палитрой». 1915 г.
При работе с портретом кубисты не ограничивались изображением внешних качеств человека: они пытались проникнуть во внутренний мир и через различные детали передать его эмоции, увлечения, убеждения. Изображая себя, Надежда Удальцова намеренно преломляет пространство и создаёт несколько ракурсов: её лицо образует две части, а руки, будто отделенные от тела, тянутся к палитре и кистям. Художница концентрируется на форме, поэтому автопортрет выполнен в сдержанных красках.
Пейзаж в кубе
Аристарх Лентулов «Париж»
В биографии Аристарха Лентулова Париж занял важное место: там он некоторое время жил с женой и учился в художественной академии La Palette. Своё восприятие французской столицы живописец передал в кубистическом этюде. Художник старался следовать принципам течения, однако не во всём ему это удалось: на некоторых фрагментах геометричность городского пейзажа смягчена, а присущую кубизму монохромность Аристарх Лентулов предпочёл разбавить вкраплениями яркого цвета.
Натюрморт в кубе
Любовь Попова «Скрипка» (1915)
Работа с натюрмортом открывала перед кубистами пространство для экспериментов, и ключевыми фигурами на полотнах этого жанра нередко становились музыкальные инструменты. Красота скрипки на картине Любови Поповой передаётся через составляющие её элементы: деревянный корпус, струны, нотные листы и карты, отсылающие к глаголу «играть». Заключение композиции в овальную форму создаёт эффект вращения вокруг центра, придаёт фактурность и материалистичность объектам натюрморта.
