А вы знаете о проекте WiseArt? Арт-клуб, который объединяет людей, влюбленных в искусство, путешествия, исследование этого мира и себя. Команда регулярно проводит экскурсии по выставкам с кураторами, театральные вечера, офлайн и онлайн–курсы, а также организует арт-поездки.
Мы решили узнать у основателя WiseArt Ольги Полуэктовой, как понять искусство, начать разбираться в нем, и нужно ли это в целом.
Ольга, расскажите, что вас сподвигло изучать искусство?
Интерес начался с детства. Родители – искусствоведы, и истории о папином дяде – художнике Владимире Васильевиче Стерлигове – не оставили мне выбора, хотя связать образование с искусством было только моим решением. Помню, как мама повела меня на выставку вееров. В 3 года моё представление о вещи перевернулось. Оказалось, предмет может быть не только утилитарным – игрушкой или тем, чем мы пользуемся, – но и просто красивым. Ею любуются и даже не трогают руками. Ну а в 5 лет произошла встреча с античной скульптурой в Пушкинском музее – любовь навсегда. Я была заворожена, обходила её со всех сторон и не могла налюбоваться. Психологи, кстати, говорят, что маленькие дети лучше воспринимают скульптуру, чем двухмерное изображение – живопись или графику. В моём случае так и было.
Ольга Полуэктова
Как вести себя на выставках современного искусства? Есть ли правила просмотра?
С любым искусством нужно научиться общаться. Современное оно или древнее — это всегда информация, текст. И написан он определённым языком. И если нам непонятен язык, это не значит, что искусство неправильное или мы недостаточно одарены пониманием.
Здесь ровно такая же ситуация, как с любым иностранным языком. Сначала мы учим алфавит, читаем простые слова и предложения, а после — Шекспира или Сей Сёнагон в подлиннике. Не наоборот. Какой смысл требовать от человека, никогда не изучавшего японский, проанализировать «Записки у изголовья» без перевода? Или вот более верная аналогия — ждать этого от того, кто не умеет читать вообще: его не научили, не показали буквы или иероглифы, только дали книгу и удивились, что он её не понял.
Если мы научимся языку искусства, нам станут ближе и египетские пирамиды, и помпейские фрески, и древнерусские иконы, и авангард, и конкретные мастера — Репин или Айвазовский. Важно углубиться в художественную суть.
С современным искусством схожая ситуация. Всё искусство когда-то было современным, и с каждым поколением появлялся новый язык. Глобально темы остаются теми же: жизнь, смерть, любовь, страдание, Бог. Остальное – частные случаи. Меняется язык. Невозможно повторять одни и те же фразы, эпитеты и метафоры, они теряют свою остроту и большую часть смысла.
Для нового поколения острым, выразительным, действенным будет какой-то новый язык, новые приёмы, новые словосочетания. Если мы попытаемся их понять, не отвергая сразу, может быть, мы найдём такие оттенки смысла и идеи, которые нас обогатят, раздвинут ментальные границы, помогут в решении жизненных вопросов. Я не говорю о том, что искусство прошедших веков и тысячелетий становится неактуальным — нет. Но повторение старого — это всегда копия, что-то неживое, холодное и даже бессмысленное.
Как смотреть, как ходить в музеи и на выставки — с этих вопросов начался арт-клуб WiseArt и вся моя преподавательская деятельность вообще. Я поняла, что то чтение художественного языка, которому учатся все студенты-искусствоведы ещё на первом курсе, почему-то остаётся недоступным для неспециалистов. И это очень обидно. Никто не должен с рождения разбираться в искусстве. Не обязан врач, математик, экономист, продавец понимать язык, которому его никто никогда не учил. Но искусство создавалось тысячелетиями не для горстки специалистов, которые и появились-то, строго говоря, в конце 19 века, если брать за основу дату зарождения искусствоведения как науки и не рассматривать, например, историю художественной критики.
Искусство может понять любой человек. Нужны только желание и умение «читать». Самый действенный для меня приём (пользуюсь им, когда надо сосредоточиться и погрузиться в общение с искусством) – делать заметки на бумаге или хотя бы набирать в телефоне. Описывать: что изображено, в каких соотношениях, какого цвета и формы. Есть известная искусствоведческая аксиома: в описании — начало анализа. То есть, если мы максимально точно опишем то, что мы видим, мы уже начнём это анализировать, а значит, и понимать.
У меня после второго занятия ученики начинают смело общаться с беспредметными композициями Малевича и Кандинского. Сначала все пугаются, конечно, но только потому, что нам привычнее привязаться к сюжету, к каким-то понятным предметам. А сюжет – это не художественный язык. Сюжет может быть одним, но разные художники расскажут о нём совершенно разные истории.
Как определить стоящее произведение. Почему возникает непонимание по стоимости. Из серии: «Почему это стоит так дорого?»; «Как этот кусок бетона и проволоки мог стать произведением современного искусства?»
Стоимость произведений искусства – это, конечно, вопрос сложный. И тут не последнюю роль играет состояние общества. В какие-то периоды на вопросы времени отвечают одни художники, а в другие о них совершенно забывают. Например, в 19 веке Гвидо Рени был одним из всеобщих кумиров, его превозносили, ставили в один ряд с Леонардо. А сейчас он совершенно ушёл с этих позиций. Сегодня Рафаэль с его надмирной гармонией не так популярен, как, например, мятежные гении Микеланджело, Караваджо, Гойя. К тому же цена – это заодно вопрос коммерции, а у неё свои законы. Но если мы удивляемся, что кто-то готов выложить баснословную сумму, например, за полотна Баскиа, можно попытаться понять, что ещё, помимо холста с неровно положенными мазками, он приобретает. Искусствовед и художник Дмитрий Гутов очень убедительно сказал об этом: коллекционеры покупают с работами Баскиа такое фантастическое и безграничное ощущение свободы, что в сравнении с этим чувством цена на самом деле небольшая.
Вопрос не в том, что технически кусок бетона и проволоки изготовить легче, чем батальную сцену маслом на холсте 3 на 5 метров, например, а в том, какой смысл несёт произведение. И мы снова возвращаемся к пониманию.
Эрмитаж, здание Генерального штаба
Как знакомить детей с искусством. И стоит ли их вообще водить на выставки современного искусства?
С детьми всё намного проще, чем со взрослыми. Им стоит только намекнуть, подсказать, задать вопрос – и затем слушать и записывать. Потому что у детей чистый взгляд, без стереотипов, которые мы приобретаем с возрастом. Мы боимся шагнуть вправо или влево от того, что нам кажется привычным, от «похожего» на жизнь. У детей пока этого страха нет, им проще принять искусство, которое говорит об абстрактных понятиях, о состояниях, об идеях, о чувствах, построить неожиданные связи.
Детей не только стоит, их нужно водить на выставки. Но главное – не навязывать им стереотипы, а задать вопрос и искренне поинтересоваться их мнением. Главное правило – не перекармливать. Это касается и взрослых тоже. Не пытайтесь посмотреть сами или показать детям всю экспозицию Эрмитажа за 3 часа. Это останется кошмарным воспоминанием об усталости, голоде и принудительной беготне по залам. Лучше постоять у нескольких картин, скульптур, обсудить их, предложить детям зарисовать их или, например, запечатлеть в какой угодно форме свои мысли по поводу увиденного, напоить их вкусным чаем и уйти. После этого и ребёнку, и взрослому захочется прийти ещё раз. К сожалению, среди моих знакомых много тех, кто с ужасом вспоминает забег по Эрмитажу в возрасте 7 лет, и никогда больше туда не возвращается.
Искусство – отражение реальности? К примеру, Филипп Колберт смог бы создать «лобстеров», проживая в нашей стране? Есть ли взаимосвязь создания/признания произведения искусства с местом (страной)? Всегда ли художник вкладывает глубокий смысл в своё произведение?
Прекрасный вопрос! Конечно, искусство – всегда отражение реальности. Поэтому очень странно говорить, что искусство должно быть таким-то, нести, воспитывать, удовлетворять и так далее. Это всё равно что встать перед зеркалом и начать ему говорить, что оно должно вас отразить высокой блондинкой, если вы миниатюрная брюнетка, например. Говорить можно долго, но проку от этого не будет. То же самое с искусством: если мы хотим, чтобы оно было высоконравственным и глубоким, нам надо стать высоконравственными и глубокими. Хотя бы прекратить бросать мусор себе под ноги и ругать всё, что непонятно. Если мы начнём слушать оперу и разбирать каждую арию, каватину или тутти, мы достигнем уровня Италии эпохи Верди, когда любой извозчик напевал отрывки из вчерашних премьер. Если начнём читать Аристотеля и Марка Аврелия, искусство заговорит о высоком идеале. А если мы пробегаем по художественной галерее, задерживаясь у картины на 3 секунды (так говорит статистика о среднем времени, которое мы уделяем искусству в музее, а экран смартфона мы пролистываем ещё быстрее), искусство будет общаться с нами на том языке, который нас зацепит, шокирует, заставит оторваться от информационного потока и задуматься. По большому счёту не столько мы нужны искусству, как оно нам. Чтобы мы не забыли в суете повседневности задать себе важные вопросы, которые мы, может быть, не умеем формулировать или не понимаем их значимости. Искусство ищет нас. И говорит с нами ровно на том языке, какой мы способны понять.
Что касается Филипа Колберта: он имеет философское образование и почитает Достоевского, так что, возможно, у нас, выросших в русской культурной традиции, с ним намного больше общего, чем различий. Были бы лобстеры или какие-то другие формы и образы у нашего соотечественника? Что бы мы ни предположили, это будет всё-таки спекуляцией. Наверное, форма была бы другой. Содержание тоже, но не настолько, насколько может показаться. Скорее здесь важна связь художника с той или иной средой, его погружённость в культурное прошлое или наоборот дистанцированность. Но в любом случае, как бы ни хотел автор подчеркнуть или разорвать связь с определённой территорией или опытом, он сам – продукт своего времени и общества, которое его окружает. Поэтому в согласии с традицией или в борьбе с ней он тоже часть этой традиции.
Как самому стать современным художником?
Это вопрос не совсем ко мне, я не преподаю художникам и не занимаюсь их продвижением. В первую очередь нужно иметь талант и желание работать и развиваться. Причём во всех областях. Невозможно стать хорошим художником, развивая только технику и не будучи в курсе философии, науки, других видов искусства. Вспомнилась фраза Владимира Васильевича Стерлигова, которую он говорил своим ученикам: если ты можешь не писать, не быть художником, не пиши и не будь. Писать, рисовать, ваять можно и нужно только тогда, когда ты не способен этого не делать: когда чувствуешь, что если не выскажешь таким образом то, что тебя волнует, то просто не сумеешь дальше существовать. Я с этим согласна.
В мастерской Константина Павлова в Смоленске
Начинающему коллекционеру за каким ресурсами следить, за какими художниками? Как понять, во что стоит вложить деньги?
Начинающему коллекционеру стоит, конечно, найти хорошего консультанта или галерею, которые подскажут, каких авторов, когда именно и по какой цене ему стоит покупать с учетом его задач, вкусов и финансов. Но не развивать свой собственный взгляд, опыт понимания и вдумчивой насмотренности очень опасно и даже может быть фатальным для репутации и бюджета.
Что почитать, посмотреть, послушать, чтобы разбираться в современном искусстве?
Минутка рекламы: приходите в WiseArt. Я задумала и создала свой арт–клуб как пространство для понимания, углубления знаний, общения об искусстве и с искусством. Мы с командой придумываем такие курсы и мероприятия, которые интересны и нам самим, и в то же время людям без всякой предварительной подготовки — тем, у кого не было опыта изучения искусства или был, но отрывочный, неровный.
У нас есть не только курсы в офлайн-формате в Москве и в онлайн-пространстве, но и экскурсии со специалистами и кураторами выставок, арт-путешествия, арт-бранчи, театральные вечера с лекцией театроведа или музыковеда, совместным походом на спектакль и последующим обсуждением за чашкой чая. Мы изучаем изобразительное искусство, музыку, театр, этикет, кино, в планах ещё несколько интересных направлений. Всё это объединяет главный принцип: узнать искусство, пообщаться с ним – понять, проанализировать, прочесть его язык и самостоятельно составить своё мнение о произведении, художнике или эпохе.
Кроме активностей арт–клуба WiseArt могу посоветовать очевидное: читать, знакомиться с современной философией, смотреть более сложные фильмы, чем обычно, ходить на сложные спектакли. Даже если вы не постигнете сразу все смыслы и глубины — а это и невозможно в мгновение ока, особенно при встрече с хорошим искусством, которое заставляет думать и расти над собой — вы не отмахнётесь от нового и непонятного, а дадите ему пространство и время в мыслях и чувствах, откроете в себе новые возможности и способности к пониманию. И постепенно всё то непонятное, что пугало и отталкивало, станет более ясным, близким. Но даже если вы поймёте, что это не ваше – это тоже прекрасный результат. Вы проделали сложную душевную и интеллектуальную работу и узнали что-то новое о себе. Это же здорово! Я люблю такое ощущение роста над собой, открытия чего-то нового в себе.
Сайт арт-клуба: WiseArt.club
Инстаграм: @olga_poluektova_art
